La Teoría del Color en el Diseño Gráfico y Digital
Last Updated on February 4, 2025 by Ilka Perea Hernández
En un mundo saturado de información visual, el color se convierte en una herramienta esencial para destacar y comunicar con claridad. Por ello, dominar la teoría del color en el diseño gráfico y digital no es solo una habilidad técnica, sino una ventaja estratégica que distingue a un diseñador profesional y efectivo.
En este post, explicaré qué es la luz y el color, y algunos antecedentes históricos para comprender el experimento de Newton y la naturaleza de los colores, finalizando con algunas terminologías y conceptos para la aplicación del color en diseño gráfico y digital. Te invito a leer mis consideraciones sobre este tema y a compartir lo que piensas en la sección de comentarios.
Tabla de Contenido
- El Color
- Definiciones
- Luz
- Color
- Contexto Histórico
- La Antigüedad
- La Edad Media
- El Renacimiento
- La Modernidad
- La Teoría del Color
- Experimento de Newton
- ¿Cómo fue el experimento?
- Resultados del Experimento
- ¿Fue aceptado por la comunidad científica?
- Terminología del Color
- El Tono
- La Luminosidad
- Saturación
- Colores Aditivos y Sustractivos
- Colores Aditivos
- Colores Sustractivos
- Ejemplo Práctico en el Diseño Gráfico
- El Círculo Cromático
- ¿Para qué Sirve El Círculo Cromático?
- ¿Quién Creó el Primer Círculo Cromático?
- Componentes del Círculo Cromático
- Colores Primarios
- Colores Secundarios
- Colores Terciarios
- ¿Quién estableció esta categoría cromática?
- Colores Cálidos y Colores Fríos
- Armonías Cromáticas
- Armonías Cromáticas Básicas
- Armonías Cromáticas Avanzadas
- Usos de las Armonías Cromáticas
- Teoría del Color vs. Psicología del Color
- Algunas Consideraciones
- Algo de Literatura
- ¿Qué piensas?
- Cita este post
El Color
Definiciones
Antes de pasar a explicar la teoría del color, es conveniente establecer algunos conceptos y definiciones:
Luz
La luz es una forma de energía electromagnética que se desplaza en ondas. Su espectro visible, comprendido entre aproximadamente 380 nm y 700 nm de longitud de onda, es lo que el ojo humano puede percibir como colores.
Propiedades Principales de la Luz
Intensidad: Cantidad de energía transportada por la luz.
Longitud de onda: Determina el color de la luz (azul tiene longitudes más cortas, rojo más largas).
Reflexión y refracción: Cómo la luz interactúa con superficies y medios. En el diseño y el arte, la luz se considera tanto un elemento técnico como simbólico, transformando espacios y emociones.
Color
El color es una percepción visual que surge cuando la luz interactúa con un objeto y es interpretada por nuestros ojos y cerebro. Los objetos no poseen color en sí mismos; en su lugar, absorben ciertas longitudes de onda de luz y reflejan otras, las cuales determinan el color que percibimos.
Componentes Básicos del Color
Matiz (Hue): Identidad básica del color (rojo, azul, verde).
Saturación: Intensidad o pureza del color.
Valor: Claridad u oscuridad del color.
El color está profundamente ligado a las emociones humanas y a la semiótica, sirviendo como herramienta de comunicación visual clave.
Contexto Histórico
A lo largo de la historia, el ser humano ha intentado comprender y explicar el fenómeno del color, desde sus primeras observaciones en la naturaleza hasta su estudio científico y su aplicación en el arte y el diseño. La teoría del color ha evolucionado a través de diversas épocas, influenciada por filósofos, científicos y artistas que han desarrollado modelos y principios para entender cómo percibimos y utilizamos el color.
La Antigüedad
Egipto y Mesopotamia asociaron los colores con la religión, los dioses y los ciclos de la vida. Se usaban pigmentos naturales, como el azul egipcio, y se vinculaba el color con el poder y lo sagrado.
En Grecia y Roma, los filósofos como Empédocles y Aristóteles describieron el color como resultado de la mezcla de los elementos (agua, aire, fuego y tierra). Aristóteles propuso que los colores surgen de la luz y la oscuridad.
La Edad Media
La teoría del color estuvo profundamente influenciada por la religión y la espiritualidad. Los colores fueron interpretados a través de la simbología cristiana: el blanco representaba la pureza, el rojo la pasión, y el negro el pecado o el mal.
En manuscritos iluminados, los artistas emplearon oro y colores brillantes para enfatizar lo divino, destacándose la conexión entre luz y color como una manifestación de lo celestial.
El Renacimiento
Este periodo trajo avances científicos en la comprensión del color. Leonardo da Vinci estudió la interacción de la luz y las sombras, creando la técnica del sfumato para transiciones sutiles entre colores.
Se comenzaron a clasificar los colores primarios, y se exploraron sus combinaciones en la pintura y la arquitectura. La invención de la perspectiva lineal ayudó a usar el color para transmitir profundidad.
La Modernidad
En el siglo XVII, Isaac Newton revolucionó la teoría del color al demostrar, mediante un prisma, que la luz blanca se descompone en un espectro de colores. Esto marcó el inicio de la ciencia moderna del color.
Newton (siglo XVII): Demostró que la luz blanca contenía todos los colores y que el color de un objeto dependía de cómo éste reflejaba o absorbía las diferentes longitudes de onda de la luz. Imagen: Wikipedia.org.
En el siglo XVIII, Johann Wolfgang von Goethe publicó su Teoría de los colores. En su obra criticó el enfoque estrictamente físico de Newton, argumentando que la experiencia humana del color estaba profundamente ligada a las emociones y las percepciones subjetivas.
Durante el siglo XIX, artistas como los impresionistas exploraron cómo la luz y el color interactúan en distintas condiciones.
En el siglo XX, Josef Albers, y otros teóricos, analizaron la percepción del color y su interacción, sentando las bases de los estudios contemporáneos en diseño gráfico y digital.
Josef Albers (1888–1976): Además de profesor, Albers fue un activo pintor abstracto y teórico, más conocido por su serie Homenaje al Cuadrado, en la que exploró las interacciones cromáticas con cuadrados anidados, registrando meticulosamente los colores utilizados. Imagen: moma.org.
La metodología docente de Albers, que daba prioridad a la experiencia práctica y la visión en el diseño, tuvo un profundo impacto en el desarrollo del arte visual occidental de posguerra, mientras que su libro Interaction of Color, publicado en 1963, se considera una obra fundamental sobre la teoría del color.
La Teoría del Color
Experimento de Newton
El experimento de Newton con el prisma, conocido como el “Experimento del Prisma” o “Experimento de la Descomposición de la Luz Blanca”, es uno de los más célebres en la historia de la óptica y marcó un hito en la comprensión del color.
Isaac Newton llevó a cabo el experimento en su residencia en Cambridge en 1666, durante un periodo en el que la universidad estaba cerrada debido a la peste bubónica. Más adelante, perfeccionó sus investigaciones en su casa en Woolsthorpe Manor.
Newton estaba interesado en entender la naturaleza de la luz y el color, un tema que había generado muchas teorías en su época. Hasta entonces, se creía que el color era una propiedad intrínseca de los objetos y que la luz era uniforme y “blanca” por naturaleza. Motivado por las ideas predominantes y por experimentos previos realizados por científicos como René Descartes, Newton buscaba una explicación más precisa.
¿Cómo fue el experimento?
- Newton utilizó un prisma triangular de vidrio y un haz de luz solar que entraba a través de un agujero pequeño en una ventana oscura.
- Al pasar la luz por el prisma, esta se descomponía en una banda de colores: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta (lo que ahora conocemos como el espectro visible).
- Luego, usó un segundo prisma para demostrar que los colores podían recombinarse en luz blanca al invertir el proceso.
Resultados del Experimento
- Newton descubrió que la luz blanca está compuesta por todos los colores del espectro visible y que los colores no se generan por el prisma, sino que son componentes inherentes de la luz misma.
- Mostró que cada color tiene un índice de refracción diferente, lo que explica por qué se separan al pasar por el prisma (la luz se desvía en diferentes ángulos según la longitud de onda de cada color).
- Este hallazgo refutó la idea aristotélica de que los colores eran modificaciones de la luz blanca y revolucionó la comprensión de la óptica.
Newton publicó sus hallazgos en 1672 en una carta dirigida a la Royal Society titulada “A New Theory of Light and Colours” (Una nueva teoría de la luz y los colores). Más adelante, amplió sus ideas en su libro “Opticks”, publicado en 1704.
¿Fue aceptado por la comunidad científica?
Inicialmente, el experimento generó gran interés, pero también enfrentó críticas severas, especialmente de científicos que defendían las teorías tradicionales.
Robert Hooke, quien era un defensor de la teoría ondulatoria de la luz, rechazó las ideas de Newton y cuestionó sus métodos. Hooke argumentó que los colores eran alteraciones de la luz blanca, no sus componentes.
Las críticas de Hooke y otros hicieron que Newton evitara durante años participar activamente en debates científicos, aunque continuó trabajando en sus teorías.
A pesar de las controversias iniciales, con el tiempo sus descubrimientos fueron ampliamente aceptados y sentaron las bases de la óptica moderna.
Terminología del Color
El Tono
El tono, también conocido como matiz (hue en inglés), se refiere a la identidad básica de un color, como rojo, azul, verde, etc. Es la característica que permite distinguir un color de otro dentro del espectro cromático.
Ejemplo: La diferencia entre rojo y amarillo es una diferencia de tono. El tono es la base de los colores y constituye la percepción de las longitudes de onda específicas de la luz reflejada.
La Luminosidad
Luminosidad, también llamada valor o brillo (lightness o brightness en inglés), describe qué tan claro u oscuro es un color.
La luminosidad es importante para crear contraste y jerarquía visual en el diseño, ya que afecta la legibilidad y la percepción del espacio.
Valor alto: Se acercan al blanco.
Valor bajo: Se acercan al negro.
Saturación
La saturación mide la intensidad o pureza de un color. En inglés, se llama saturation y define cuán vivo o apagado aparece un color.
Un color saturado se ve brillante y puro, mientras que un color con baja saturación o desaturado parece más apagado o cercano a los grises. La saturación puede cambiar agregando gris, blanco o negro al color.
Colores Aditivos y Sustractivos
Los colores aditivos y colores sustractivos son dos modelos que describen cómo se forman y perciben los colores.
Colores Aditivos
El modelo aditivo, conocido como modelo RGB, se basa en la combinación de luces de diferentes colores. Este sistema es el fundamento del color en las pantallas digitales (como monitores, televisores y proyectores).
Características principales:
- Colores primarios:
- Rojo (Red)
- Verde (Green)
- Azul (Blue)
- Formación de colores secundarios:
Al combinar dos colores primarios de luz en iguales proporciones:- Rojo + Verde = Amarillo
- Rojo + Azul = Magenta
- Verde + Azul = Cian
- Color resultante de la suma total:
Al mezclar luz roja, verde y azul a máxima intensidad, se obtiene el blanco. La suma de todos los colores genera más luz, por eso es un modelo aditivo. - Uso:
- Pantallas (televisores, monitores, teléfonos).
- Diseño web y medios digitales.
- Proyecciones de luz.
Thomas Young (1773–1829) propuso que el ojo humano percibe el color mediante tres tipos de receptores sensibles a los colores primarios aditivos (teoría tricromática). Mientras que James Clerk Maxwell (1831–1879) desarrolló aún más la teoría de Young y realizó experimentos que demostraron cómo los colores aditivos forman imágenes a todo color.
Colores Sustractivos
El modelo sustractivo se basa en la absorción de luz por pigmentos o tintes. Se utiliza en medios físicos como impresiones y pinturas. También se le conoce como modelo CMY, que se amplía al modelo CMYK para la impresión al incluir el negro – Key – para tonos oscuros.
Características principales:
- Colores primarios:
- Cian
- Magenta
- Amarillo
- Formación de colores secundarios:
Al mezclar dos colores primarios de pigmento en iguales proporciones:- Cian + Magenta = Azul
- Cian + Amarillo = Verde
- Magenta + Amarillo = Rojo
- Color resultante de la mezcla total:
Al combinar cian, magenta y amarillo en proporciones iguales, se obtiene un tono oscuro. La mezcla de pigmentos resta luz reflejada, por eso es un modelo sustractivo. - Uso:
- Impresiones (libros, revistas, pósters).
- Pintura y diseño tradicional.
- Diseño gráfico aplicado a productos físicos.
Principales diferencias entre ambos modelos
| Aspecto | Modelo Aditivo | Modelo Sustractivo |
|---|---|---|
| Medio | Luz | Pigmentos o tintes |
| Colores primarios | Rojo, Verde, Azul (RGB) | Cian, Magenta, Amarillo (CMY/CMYK) |
| Resultado total | Blanco (suma de colores) | Negro (mezcla de colores) |
| Uso principal | Pantallas y medios digitales | Impresión y artes plásticas |
Ejemplo Práctico en el Diseño Gráfico
- Diseño digital: Si trabajas en Photoshop o Figma para crear un diseño web, usarás el modelo aditivo (RGB) porque la pieza será vista en pantalla.
- Diseño impreso: Si exportas el diseño para imprimirlo, convertirás el archivo a sustractivo (CMYK) para que sea reproducido correctamente en papel.
El Círculo Cromático
El círculo cromático es una representación visual que organiza los colores según su tono. Incluye los colores primarios, secundarios y terciarios, y muestra sus relaciones armónicas (análogos, complementarios, triádicos, etc.).
¿Para qué Sirve El Círculo Cromático?
- Diseño: Ayuda a seleccionar paletas cromáticas armoniosas.
- Arte: Facilita la mezcla de colores en pinturas.
- Comunicación visual: Permite transmitir emociones o mensajes a través de combinaciones específicas.
¿Quién Creó el Primer Círculo Cromático?
El primer círculo cromático fue desarrollado por Isaac Newton en 1666. Basó su modelo en el espectro de luz visible que observó al descomponer la luz blanca con un prisma. Posteriormente, artistas y científicos como Goethe, Chevreul y Itten lo perfeccionaron.
La teoría del color de Newton se basaba en la idea de que la luz blanca está formada por todos los colores, y el negro es la ausencia de color. Imagen: BBC.com.
Componentes del Círculo Cromático
Isaac Newton dividió su círculo cromático en secciones desiguales basadas en los intervalos de una escala musical dórica. También decidió dividir el espectro en siete colores, quizá influido por el misticismo del número siete. Desde entonces el círculo cromático ha evolucionado para hoy establecer los colores primarios, secundarios y terciarios.
Colores Primarios
Los colores primarios son los tonos básicos que no pueden obtenerse mezclando otros colores. Son el punto de partida para formar otros colores.
- Síntesis sustractiva (mezcla de pigmentos): Rojo, amarillo y azul (RYB).
- Síntesis aditiva (mezcla de luz): Rojo, verde y azul (RGB).
Los colores primarios son esenciales para crear cualquier paleta cromática.
Colores Secundarios
Los colores secundarios resultan de mezclar dos colores primarios en partes iguales.
- En la síntesis sustractiva:
- Rojo + Amarillo = Naranja
- Amarillo + Azul = Verde
- Azul + Rojo = Violeta
- En la síntesis aditiva:
- Rojo + Verde = Amarillo
- Verde + Azul = Cian
- Azul + Rojo = Magenta
Colores Terciarios
Los colores terciarios se obtienen al mezclar un color primario con un color secundario adyacente en el círculo cromático.
- En la síntesis sustractiva:
- Amarillo + Naranja = Amarillo-naranja
- Azul + Violeta = Azul-violeta
Los colores terciarios añaden diversidad y complejidad a una composición cromática, permitiendo transiciones suaves entre tonos. Sus nombres se derivan de sus combinaciones: “Azul verdoso”, “Amarillo anaranjado”, “Rojo violeta”.
¿Quién estableció esta categoría cromática?
El establecimiento de los colores primarios y secundarios ha sido un proceso evolutivo a lo largo de la historia, en el cual distintos científicos, artistas y teóricos han contribuido a definirlos. Aquí está el desarrollo clave sobre quiénes los establecieron y cómo:
Los colores primarios en el modelo sustractivo (pigmentos) se definieron principalmente durante el Renacimiento y se consolidaron a lo largo del tiempo:
- Leonardo da Vinci (1452–1519):
Aunque no identificó formalmente los colores primarios, fue uno de los primeros en investigar cómo los colores interactúan. Consideraba que los colores eran efectos de la luz y los asociaba con emociones y simbolismos. - Robert Boyle (1627–1691):
Afirmó que los colores se podían combinar para formar otros, introduciendo una idea embrionaria de los colores primarios. - Moses Harris (1731–1785):
Es uno de los primeros en representar los colores primarios (rojo, azul y amarillo) en un círculo cromático. Su círculo también muestra cómo los colores secundarios (naranja, verde y violeta) derivan de las mezclas de los primarios. - Johann Wolfgang von Goethe (1749–1832):
En su libro Teoría de los Colores (1810), Goethe reconoció los colores primarios, pero cuestionó la teoría estrictamente científica de Newton al enfocarse en la percepción humana y la relación emocional de los colores. - Michel Eugène Chevreul (1786–1889):
Un químico francés que perfeccionó las ideas sobre la mezcla de colores primarios y secundarios al estudiar los efectos del color en los textiles. Su círculo cromático tuvo una gran influencia en artistas impresionistas.
Los colores secundarios (naranja, verde y violeta) surgen de la combinación de dos colores primarios en el modelo sustractivo. Aunque el concepto de colores secundarios se deduce de la teoría de los primarios, algunos contribuyentes notables fueron:
- Isaac Newton (1643–1727):
Aunque más famoso por sus experimentos con la luz, Newton mostró cómo los colores del espectro podían combinarse en su círculo cromático, marcando las bases para entender cómo se forman los secundarios. - Moses Harris:
Fue el primero en mostrar explícitamente cómo la mezcla de colores primarios da lugar a los secundarios en su círculo cromático, vinculando teoría y práctica en el arte. - Johannes Itten (1888–1967):
En su obra El Arte del Color, desarrolló una teoría del color que incluía el uso de colores primarios y secundarios. Su trabajo se centró en el diseño y la educación artística en la Bauhaus.
Colores Cálidos y Colores Fríos
En la teoría del color, los colores cálidos (como el rojo, naranja y amarillo) se asocian con la mitad del círculo cromático que evoca energía, calor y cercanía. Por otro lado, los colores fríos (como el azul, verde y violeta) se encuentran en la otra mitad del círculo y se relacionan con calma, frescura y distancia. Esta división es útil para crear contrastes, armonías y jerarquías visuales en el diseño.
Armonías Cromáticas
Las armonías cromáticas son combinaciones de colores que generan un efecto visual equilibrado, atractivo y coherente. Estas combinaciones se basan en relaciones específicas entre los colores dentro del círculo cromático, tomando en cuenta su tono, saturación y luminosidad.
El propósito de usar armonías cromáticas es transmitir mensajes visuales efectivos, despertar emociones específicas y crear composiciones agradables en diseño gráfico, pintura, moda, entre otros.
Armonías Cromáticas Básicas
Monocromática: Utiliza un solo color o tono base, combinándolo con diferentes variaciones de su luminosidad (tintes) y saturación (sombras y tonos).
Características:
- Es sencilla y equilibrada.
- Genera un ambiente uniforme y elegante.
- Fácil de usar porque no requiere contrastes complejos.
Ejemplo: Tonos de azul que van desde un celeste claro hasta un azul marino oscuro. Otro ejemplo es el rojo que va desde rosado hasta el rojo vino o borgoña.
Análoga: Combina colores que están adyacentes entre sí en el círculo cromático.
Características:
- Transmite armonía y naturalidad, ya que los colores comparten matices similares.
- Se utiliza para transmitir tranquilidad o calidez, dependiendo de los colores elegidos.
Ejemplo: Verde, azul-verdoso, azul; o amarillo, amarillo-naranja y naranja.
Complementaria: Combina colores opuestos en el círculo cromático, como rojo y verde, azul y naranja, o amarillo y violeta.
Características:
- Genera un contraste fuerte y vibrante.
- Ideal para destacar elementos y atraer la atención.
- Se debe usar con moderación para evitar una composición demasiado saturada o caótica.
Ejemplo: Rojo-violeta (cálido) con amarillo verdoso (frío).
Armonías Cromáticas Avanzadas
Triádica: Utiliza tres colores equidistantes entre sí en el círculo cromático, formando un triángulo equilátero.
Características:
- Proporciona contraste balanceado con colores variados.
- Es versátil y permite combinaciones dinámicas y vibrantes.
Ejemplo: Amarillo, rojo y azul, o amarillo-anaranjado, rojo-violeta y azul-verdoso.
Tetrádica o Doble Complementaria: Usa dos pares de colores complementarios, formando un rectángulo en el círculo cromático.
Características:
- Genera una composición rica y variada.
- Es ideal para diseños complejos donde se busca diversidad de colores.
- Se requiere un equilibrio adecuado para evitar que los colores compitan entre sí.
Ejemplo: Azul y naranja, combinado con verde y rojo.
Complementaria Dividida (Split Complementary): Se elige un color base y los dos colores adyacentes al opuesto en el círculo cromático.
Características:
- Genera contraste sin ser tan intenso como la complementaria directa.
- Más equilibrada y flexible para diseños que requieren dinamismo con suavidad.
Ejemplo: Azul, rojo-naranja y amarillo-naranja, o Rojo-naranja, azul y verde.
Cuadrada: Similar a la tetrádica, pero los colores forman un cuadrado dentro del círculo cromático, con tonos equidistantes.
Características:
- Ofrece variedad y dinamismo con cuatro colores bien equilibrados.
- Se debe usar un color dominante y los otros como acentos para evitar desorden visual.
Ejemplo: Amarillo, rojo-naranja, violeta y azul-verde.
Usos de las Armonías Cromáticas
- Monocromática: Perfecta para diseños minimalistas o elegantes, como marcas de lujo.
- Análoga: Ideal para proyectos relacionados con la naturaleza o emociones tranquilas.
- Complementaria: Funciona bien para publicidad o donde se necesita captar atención rápidamente.
- Triádica y tetrádica: Utilizadas en proyectos creativos o vibrantes, como ilustraciones o diseño infantil.
- Complementaria dividida: Muy útil en diseño gráfico para lograr equilibrio entre contraste y suavidad.
- Cuadrada: Popular en arte abstracto y branding versátil.
Teoría del Color vs. Psicología del Color
Como diseñadores debemos tener claros estos conceptos, ya que podría generar errores en la creación visual y en la transmisión del mensaje. Por ejemplo, un diseñador puede seleccionar una paleta cromática técnicamente precisa y armoniosa basada en la teoría del color, pero si no considera el efecto emocional de esos colores, corre el riesgo de no comunicar la emoción o el mensaje deseado.
Aunque son distintas, ambas áreas están conectadas. La Teoría del Color proporciona las herramientas técnicas para combinar colores y crear armonía, mientras que la Psicología del Color ayuda a comprender el impacto emocional que esas combinaciones pueden tener en las personas.
Principales Diferencias
| Aspecto | Teoría del Color | Psicología del Color |
|---|---|---|
| Base principal | Científica y artística (física y óptica). | Psicológica y cultural. |
| Enfoque | Relación técnica entre los colores. | Impacto emocional y simbólico del color. |
| Propósito | Crear armonía visual y estética. | Influir en emociones y comportamientos. |
| Aplicaciones comunes | Diseño, arte, decoración, cine. | Marketing, branding, publicidad. |
| Variabilidad cultural | No influenciada por cultura. | Altamente influenciada por cultura. |
Algunas Consideraciones
En el diseño gráfico y digital, el color es uno de los elementos más poderosos para comunicar mensajes, evocar emociones y construir identidades visuales memorables. La elección de una paleta cromática adecuada puede transformar un diseño, dándole fuerza, personalidad y significado, mientras que una selección errónea puede diluir el impacto del mensaje o generar confusión en la audiencia.
Por esta razón, es fundamental que los diseñadores no solo comprendan los fundamentos técnicos de la teoría del color en el diseño gráfico y digital, sino que también aprendan a aplicarlos de manera estratégica en sus proyectos. Desde entender la interacción entre colores hasta saber cómo utilizar armonías cromáticas, dominar la teoría del color permite a los diseñadores crear composiciones visuales efectivas y emocionalmente resonantes.
Además, en el entorno digital, donde los usuarios interactúan constantemente con interfaces visuales, la correcta aplicación de los perfiles de color puede mejorar la experiencia del usuario, guiar su atención y reforzar la funcionalidad del diseño. Conocer las propiedades del color, como el tono, la saturación y la luminosidad, así como su impacto psicológico, permite a los diseñadores adaptarse a las necesidades de cada proyecto y audiencia.
Algo de Literatura
Me gustaría recomendarte estos libros extraordinarios que podrían ayudarte a aprender sobre Teoría y Psicología del Color:
- Interacción del color por Josef Albers
- Psicología del color: Cómo actúan los colores sobre los sentimientos y la razón por Eva Heller
- Teoría del color por Johannes Pawlik
- La Biblia de la Mezcla de Colores por Ian Sidaway
¿Qué piensas?
En la sección de comentarios, dime si conocías sobre la teoría del color. ¿Sueles utilizar los colores por su valor funcional o solo estético?
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Perea Hernández, I. (2 de marzo de 2024). La Teoría del Color en el Diseño Gráfico y Digital. Ilka Perea Studio. Recuperado el [insertar fecha actual] de https://ilkaperea.com/2024/03/02/la-teoria-del-color-en-el-diseno-grafico-y-digital/ - Estilo Chicago:
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Bibliografía
- Albers, J. (2017). Interacción del Color. Alianza Editorial.
- Dabner, D., Stewart, S., Vickress, A. (2021). Diseño gráfico. Fundamentos y prácticas (7a ed.). Blume.
- Heller, E. (2021). Psicología del Color: Cómo Actúan los Colores sobre los Sentimientos y la Razón. Editorial Gustavo Gili.
- Leborg, C. (2013). Gramática Visual. Editorial Gustavo Gili.
- Lupton, E; Phillips, J. C. (2018). Diseño Gráfico. Nuevos Fundamentos (2a ed.). Editorial Gustavo Gili.
- Malamed, C. (2009). Visual Language for Designers: Principles for Creating Graphics That People Understand. Rockport Publishers.
- Pawlik, J. (1996). Teoría del Color. Ediciones Paidós.
- Poulin, R. (2016). Fundamentos del Diseño Gráfico. Los 26 principios que todo diseñador gráfico debe conocer. Promopress.
- Sidaway, I. (2020). La Biblia de la Mezcla de Colores. Todo sobre la mezcla de pigmentos para pintar al óleo, al acrílico, a la acuarela, al temple, al pastel, a lápiz, y a tinta. LIBRERO IBP.